Marco Parianis Farbsprache ist bunt, teilweise schrill. Verspielt wirken seine Kompositionen, mal zart, mal rau. Wie Stillleben platziert er sie in der Mitte der Leinwand vor einem meist einfarbigen Hintergrund. Doch was auf den ersten Blick noch an Figuren erinnern könnte, löst sich schnell auf - in Achterbahnen von Linien, Türme aus Formen und malerische, verlaufene Farbflächen. Was steckt dahinter? Der 1986 geborene Italiener zeigt jetzt neue Gemälde in seiner Einzelausstellung "Painting Bakery" in der Galerie Skarstedt in London. Mit uns hat er über seine aktuelle Arbeit gesprochen.
Marco Pariani, man glaubt, in einigen Ihrer Bilder noch Gegenstände erkennen zu können. Autos, Kerzen, Spielzeug. Stimmt das?
Ich bin der Einzige, der weiß, was das eigentliche Thema des Gemäldes ist. Ich spiele viel mit Titeln, die nur ein Teil dessen sind, was dargestellt wird, oder manchmal auch nur versuchen, die Aufmerksamkeit auf etwas anderes zu lenken. Ich habe mich immer von figurativen Dingen inspirieren lassen. Ich weiß nicht, ob man meine Bilder als "abstrakt" bezeichnen kann, vielleicht eher als Abstraktion. Ich weiß es nicht, und ehrlich gesagt ist es mir auch egal, aber ja, meine Bilder basieren auf Screenshots von figurativen Dingen, meistens, und einer Menge von Objekten, die mit der Weihnachtsdekoration zu tun haben.
Weihnachtsdekoration? Sind Sie beim Malen in weihnachtlicher Stimmung? Eine Mischung aus Vorfreude, Kontemplation und Trunkenheit? Oder vielleicht ein Mix aus Flucht und Irritation?
Ich hasse Weihnachten, ich hasse alles daran und die Tatsache, dass wir in der Regel bei der Familie bleiben und Geschenke verteilen müssen. Es ist jetzt fast zehn Jahre her, dass ich angefangen habe, Weihnachten als Referenz für meine Bilder zu verwenden. Ich begann damit, Menschen und ihr Verhalten zu zitieren und dann einige weihnachtlich gekleidete Hunde zu malen. Mir gefiel die Idee, Weihnachten in meinen Bildern darzustellen, um mich daran zu erinnern, wie die Gesellschaft in diesen Tagen sein könnte. Aber am Ende wurden die weihnachtlichen Screenshots einfach wichtig für die Farben und Kompositionen. Das ist jetzt alles, was für mich zählt. Meine Stimmung beim Malen ist eine Mischung aus dem Genuss des Augenblicks und dem Kampf mit den Farben, keine einfache Stimmung, aber am Ende fühle ich mich großartig. Ich mag es, dass alles andere verschwindet, während ich arbeite, ich denke nur an das, was ich tue, das ist eine große Erleichterung.
Lassen Sie uns über Ihre neue Ausstellung sprechen. Was hat Sie inspiriert?
Ich verwende Bilder von Lebkuchenkompositionen und Plätzchen. Es ist lustig zu sehen, wie sie sich in meine Bilder einfügen, ich mag die Farben und die Art und Weise, wie die Leute versuchen, sie zu dekorieren. Es ist immer noch etwas, das mit Weihnachten zu tun hat, aber ganz anders als Hüpfburgen und Weihnachtsbäume. Das Wichtigste ist der Hintergrund, ich arbeite an weißem und schwarzen Gesso, hellen Farben und schwarzem Gesso zusammen, auch Blau und Schwarz, das wird ein Spaß!
In Ihrer Ausstellung gibt es das Werk "All Sorts Still Life": ein dunkler Hintergrund, aber in der Mitte viele helle, abstraktere Formen. Es gibt dort sehr malerische Teile, wie in den grünen und gelben Bereichen. Wie sind diese Bilder entstanden? Sind Sie hier völlig losgelöst vom ursprünglichen Objekt und reagieren Sie als Maler auf Ihre malerischen Spuren? Oder reflektieren Sie noch über den Prozess der Abstraktion?
Es ist immer ein Gefühl, ich fange mit einer Idee an, die ich habe und die auf den Screenshots basiert, aber manchmal folge ich ihnen gar nicht, vielleicht nur am Anfang. Bei dem Teil des Gemäldes, den Sie erwähnt haben, hatte ich zum Beispiel eine ganz andere Idee, aber ich habe zuerst den rechten Teil gemacht und meine Meinung für die linke Seite wegen der Komposition geändert. Ich denke nicht über Abstraktion nach, wenn ich ein Bild mache, sondern eher darüber, was ich für eine schöne Komposition und eine schöne Konversation zwischen Schichten und Farben brauche. Einfach Gefühle, denke ich.
In dem Werk "A Little Face And A Bunch Of Flowers" könnte man ein Flugzeug sehen, das unter einem Regenbogen fliegt. Es sieht sehr sinnlich aus, wässrig, und man kann auch den Spaß in dem Bild erkennen. Früher wurden dunkle Bilder oft mit dem Tod und dramatischen Bezügen erklärt, aber in Ihrer Malerei scheint es auch eine Befreiung zu geben. Oder täusche ich mich?
Danke, ich mag es, dass Sie ein Flugzeug sehen. Das könnte es sein, warum nicht. Schwarz ist eine großartige Farbe, eine wirklich komplizierte Farbe, deshalb versuche ich schon seit einiger Zeit, Bilder mit schwarzem Gesso-Hintergrund zu malen, und ich habe endlich eine "Lösung" gefunden, nachdem ich eine Menge davon verworfen hatte. Ich musste mein Gehirn komplett umstellen, um zu verstehen, wie ich mit dem schwarzen Gesso spielen kann, ich habe auch Monate mit einem dunkleren Hintergrund auf meinem Telefon verbracht. Ich finde es gut, dass Sie Befreiung und keine dramatischen Bezüge sehen. Das ist gut zu hören, denn ich habe ein tiefes Gefühl für Farben, das weit entfernt ist von einem launischen Bezug, und ich glaube ehrlich gesagt nicht an Farbstimmungen.
Abstraktionsprozesse sind für jeden Künstler anders. Nicht nur in der Malerei. Es gibt auch Abstraktion in der Land Art oder in der konzeptionellen Kunst. Wie ist das bei Ihnen? Fangen Sie in Ihrem Kopf an, wenn Sie etwas sehen? Oder entsteht abstrakte Malerei nur spontan auf der Leinwand, ohne einen Plan?
Ich habe früher einige figurative Bilder gemalt, und eines Tages, als ich an dem Hintergrund arbeitete, sagte ich zu mir selbst: "Du hast mehr Spaß an diesem Teil als am Thema", und dann verstand ich, dass es für mich an der Zeit war, weiterzumachen. Ich begann, die Dinge so darzustellen, wie ich es wollte, zerstörte die Bilder mit meinen Gedanken und malte sie genau so, wie und wo ich es wollte. Für mich bedeutet Abstraktion, die Dinge anders als in der Realität zu sehen, mehr als eine Sache zusammenzufügen, um ein einziges Bild zu schaffen. Ja, ich fange im Kopf an, nachdem ich mir Bilder angesehen habe, auch während der Vorbereitung des Hintergrunds, aber erst nach all den Schichten und der endgültigen Zeichnung mit der Sprühfarbe wird es immer klarer. Der einzige spontane Teil meiner Arbeit hängt mit den Farben zusammen. Normalerweise denke ich über die Farben nach, bevor ich ein neues Bild beginne, aber während ich daran arbeite, sind die Farben eher ein Gefühl.
Einige Dinge gehen in der Abstraktion verloren, wie zum Beispiel die Figur und ihre Konturen. Was kommt stattdessen hinzu? Geht es um Farben und Kompositionen? Oder eher um Gefühle? Um malerische Spiele?
In meiner Traumwelt wäre ich gerne einfach nur ein Maler und würde es vermeiden, meine Bilder mit dem in Verbindung zu bringen, was es vorher an Themen gab, und vermeiden, meinen Prozess zu erklären. Mein einziges Interesse gilt der Arbeit zwischen der Zeichnung und der Malerei, den Kontrasten, den Farben, der Sprühfarbe und der Ölfarbe und dem Verhältnis zwischen dem Hintergrund und dem Motiv. Für mich ist ein gutes Gemälde erst dann fertig, wenn die Farben und die Komposition gut mit dem Hintergrund harmonieren, natürlich nach meiner Meinung und nach meinem Geschmack. Mir gefällt, dass Sie das mit den malerischen Spielen erwähnen. Ich denke, dass alles, was ich im Sinn habe, mit diesen beiden Worten beschrieben ist, die schwierigste und gefährlichste Art, Bilder zu malen.
Können Sie mir mehr über die Malspiele erzählen?
Vielleicht geht es um das Gefühl, wenn ich eine Farbe nach der anderen in die Hand nehme, einen Pinsel, eine Sprühdose mit einer anderen Kappe, und ich genieße meine Zeit, während ich im Atelier ein Bild male, wie bei einem guten Spiel. Wie ein Kind, das spielt.
Die Leute vermeiden es oft, über den Spaß am Malen zu sprechen. Es klingt besser, wenn der Künstler leidet. Aber Künstler haben schon immer Spaß an der Arbeit gehabt. Was genau ist dieser Spaß für Sie? Und welche Vorteile bringt er der Malerei?
Die Leute sind immer noch an der leidenden Seite eines Künstlers interessiert und fasziniert, für mich ist das eher eine alte Geschichte, die heute nicht immer einen Sinn ergeben muss. Natürlich ist das Leiden Teil des gesamten Prozesses und des Lebens, aber ich habe immer auf die eine oder andere Weise Spaß. Spaß hat für mich damit zu tun, dass ich den Prozess und die Malspiele genieße, manchmal tanze ich sogar, während ich einen Pinsel mit einer Farbe in die Hand nehme. Spaß zu haben bedeutet, dass Kämpfen und Leiden viel weniger Spaß machen, und das bringt eine Art von Kraft in die Bilder, ich kann die Energie am Ende spüren, wenn ich ein fertiges Werk betrachte. Aber Spaß ist nicht leicht zu erreichen, wenn man allein im Atelier sitzt.
Das Bild "Regenschirm Hund" (2020) zeigt eine Komposition aus Strichbündeln, Linien, lauten und leisen Farben, Übermalungen und Überschreibungen. Können Sie mir mehr über dieses Bild erzählen?
Dieses Gemälde, das ich immer noch als eines meiner Lieblingsbilder betrachte, stammt aus dem Jahr 2020. Ich habe es während der Pandemie gemalt und hatte viel Spaß im Atelier, als ich es machte. Es war eines der ersten Gemälde mit einem Acryl-Hintergrund, den ich mit einer Pistole spritzte. Das Thema war eine Mischung aus einigen Screenshots von angezogenen Hunden. Dieses Gemälde ging ziemlich schnell, was das Thema angeht, und es war auch wegen der Größe toll, daran zu arbeiten. Ich mag den oberen Teil mit nur einem "Spiel" aus Sprühfarbe.
Wie kam es zu der Praxis des Farbsprühens? Interessieren Sie sich auch für Graffiti und Post-Vandalismus-Malerei auf der Straße?
Das erste Bild, das ich 2005 gemalt habe, habe ich mit Öl- und Sprühfarbe gemalt, so wie ich es jetzt tue. Ich hatte schon immer ein Gespür für Sprühfarbe, die Farben und all die verschiedenen Kappen, die es gibt, um viele verschiedene Linien zu ziehen. Sprühfarbe ist ein schwieriges Werkzeug, und ich war schon immer von den schwierigsten Dingen in der Malerei fasziniert. Ich denke, das ist ein großer Teil meiner Arbeit und meines Prozesses. Wenn Sie damit nur den Einsatz der Spritzpistole für das Bild meinen, über das wir vorhin gesprochen haben, dann war das ein Werkzeug, das ich brauchte, um diese Art von Hintergrund zu haben. Ich recherchiere ständig, ich bin besessen von Materialien und Farben.Graffiti war schon immer eine gute Quelle für meine Arbeit. Ich erinnere mich, dass ich in der Schule, in der Mittelstufe, ein Graffiti-Tagebuch mit vielen Bildern hatte, in dem ich Figuren und meinen Namen im Old-School-Graffiti-Stil zeichnete. Ich mag die Energie, die Graffiti in eine Stadt bringen, die Farben und die Art, wie sie mit den Gebäuden interagieren. Als ich 2019 nach Brooklyn gezogen bin, habe ich angefangen, Graffiti auf Kastenwagen zu fotografieren, ich habe mehr als 1000 Bilder. Es war auch eine Inspiration für Farben und Hintergründe. Ich glaube nicht, dass ich in einer Stadt ohne Graffiti leben könnte, es wäre ein schlechtes Zeichen, kulturell gesehen. Das ist einer der Gründe, warum ich Brooklyn so sehr liebe.
"Idee Wassermelone" (2021) ist eine typische Komposition von Ihnen: bunte Hintergründe und eine Art Stillleben in der Mitte. Aber es ist nicht wirklich ein Stillleben, sondern abstrakte Malerei. Werden die abstrakten Formen zu neuen Objekten, die wir noch nicht kennen? Schwebende Konstruktionen?
Das ist ein wirklich guter Gesichtspunkt, denn vor ein paar Jahren, nach einem Atelierbesuch mit einem Schriftsteller, kam das Konzept der schwebenden Konstruktion und des Stilllebens auf. Er sah sich meine Bilder im Atelier an und erwähnte das Thema als Landschaft und Stillleben, und wir sprachen auch darüber, dass sie schweben, umgeben von einem "Rahmen", den ich normalerweise benutze, um alles drum herum zu halten, um den abstrakten Formen die richtige Kraft zu geben und sie atmen zu lassen. Während dieses Besuchs war ich begeistert, weil ich an aufblasbaren Weihnachtsfiguren arbeitete. Das war meine erste Einzelausstellung in der Skarstedt Gallery in London 2022, und das brachte mich dazu, über die aufblasbaren Figuren als Landschaften nachzudenken, Objekte, die auf dem Boden liegen, umgeben von einer anderen Landschaft, die selbst Teil einer ganzen Landschaft wird. Danach begann ich mit der Arbeit an einer Reihe von Gemälden, die Teil meiner letzten Einzelausstellung "Landscaping" in der Skarstedt Gallery in Paris im September letzten Jahres waren.
Oder ist es eher eine Art von Illusion? Sollten wir die abstrakte Malerei so betrachten, als ob wir auf einen gedeckten Tisch schauen würden? Ist das vielleicht ein guter Ansatz? Seine Elemente als so real zu betrachten wie eine Gabel und einen Teller?
Natürlich sind die Elemente für mich real, aber ich kann verstehen, dass sie für viele Menschen, die meine Bilder betrachten, nicht real sein könnten. Die Illusion hängt mit dem zusammen, was ich darzustellen versuche, aber nicht deutlich zeigen will, ein Spiel, das ich sehr gerne spiele und das mich beschäftigt. Ich mag es, wenn die Leute etwas sehen, das nicht einmal annähernd dem wirklichen Thema entspricht, das bringt mich zum Nachdenken über Abstraktion.
Was haben Sie eigentlich als Kind gespielt?
Fußball. Ich war so schlecht, aber es hat so viel Spaß gemacht. Ich bin auch umgeben von Feldern aufgewachsen, ich habe viel gespielt, ich war ein Wilder.
Heute leben Sie in New York. Wo sehen Sie die Hauptunterschiede zwischen der abstrakten Malerei im 20. Jahrhundert, zum Beispiel zwischen den New Yorker Abstrakten Expressionisten und der abstrakten Malerei heute?
Ich denke, der Hauptunterschied besteht darin, dass wir nach der Ära der Videospiele und Computer und auch der Zeichentrickfilme malen. Diese Elemente sind Teil unserer Kindheit und haben uns dazu gebracht, die Dinge anders zu sehen. Außerdem müssen wir heute nicht nur Maler sein, sondern auch viele andere Rollen ausfüllen, die zum Beispiel mit sozialen Medien und Kommunikation zu tun haben. Ich glaube, dass die früheren abstrakten Maler mehr darauf konzentriert waren etwas "Neues" zu schaffen, etwas Kraftvolles im malerischen Sinne, und jetzt sind wir, oder wir müssen es sein, mehr darauf konzentriert sein, eine Geschichte um das, was wir tun, zu schaffen. Ich meine, Jackson Pollock zum Beispiel: Kann man sich vorstellen, dass heute ein junger abstrakter Maler etwas Ähnliches macht? Wir müssen uns ja auch mit dem Gedanken auseinandersetzen, dass alles schon einmal gemacht wurde. Aber ich denke, wir haben Glück, dass wir hier sind, dass wir die Idee der Freiheit und des Selbstseins verstanden haben, dass wir dem, was wir im Atelier tun, treu bleiben. Ein guter Freund, heute 84 Jahre alt, zog Ende der 1960er-Jahre nach New York und erzählt mir manchmal all die alten Geschichten: Begegnungen mit Leuten wie Willem de Kooning. Sie konzentrierten sich mehr auf die malerische Seite der Dinge, auf die Persona im Atelier, nicht außerhalb. Auf den Umgang mit dem Medium auf die beängstigendste und gefährlichste Art und Weise, allein, ohne die Möglichkeit, ihre Kunstwerke schnell und einfach über soziale Medien oder eine Website zu "teilen".
Wie gehen Sie mit dieser "Es war schon da"-Situation um? Gibt es Dinge, die Sie sich deshalb verbieten? Oder anders formuliert: Gibt es auch in der Malerei Dinge, die man heute tun kann, die früher nicht gingen?
Das, was schon gemacht wurde, ist für mich völlig in Ordnung, und es steht in den Büchern. Ich kümmere mich nicht um die Leute, die die Malerei immer mit den großen Meistern oder anderen lebenden Künstlern vergleichen. Ich glaube, wir müssen aus der Vergangenheit lernen und denken, dass die Malerei eine wirklich alte Methode ist, um das auszudrücken, was wir im Kopf haben, unsere Gefühle, und manchmal haben wir ähnliche Gefühle. Wie im täglichen Leben auch. Ich spreche nicht vom Kopieren, sondern einfach davon, die gleiche Kraft zu nutzen, während man den Pinsel auf der Leinwand bewegt, die Farben tropfen lässt und eine Menge verschiedener Details hervorbringt. Ich kann aus Büchern ersehen, dass die Freiheit, die die Maler in der Vergangenheit erreicht haben, immer noch aktuell ist, da findet man einige alte Gemälde, die ohne weiteres auf das Jahr 2024 datiert werden könnten. Ich bin ein ziemlich gestischer Maler, aber ich verbiete mir selbst, zu gestisch zu sein, um zu vermeiden, dass das Endergebnis eher an die 1970er-Jahre erinnert. Deshalb halte ich zum Beispiel einen Rahmen um meine Motive herum, ich denke, das gibt ihnen mehr Kraft und ist etwas "Neues". Die Dinge, die wir heute tun können, haben vor allem mit den Materialien zu tun, wir haben tonnenweise Möglichkeiten, aber ich denke, es sind eher Dinge, die sie in der Vergangenheit getan haben, die wir heute nicht mehr tun können. Zum Beispiel Cy Twombly, die Geste und die Kraft seiner Arbeit, das ist von ihm übernommen worden und es ist unmöglich, es jetzt noch einmal so zu machen. Ich denke, in der Vergangenheit hatten die Maler die Möglichkeit, neue Dinge zu tun, selbst die verrücktesten, die gestischsten Bilder gehören dazu. Jetzt haben wir aber auch noch die gleiche Möglichkeit etwas Neues zu machen, und zwar auf der Grundlage dessen, was wir sind, was wir bei der Arbeit sind, und das Interessanteste ist das Endergebnis.