Jacob Barnes und Morgane Wagner, Sie haben die Galerie Grove 2021 während der Pandemie eröffnet. Wie kamen Sie zu diesem Entschluss? Warum in beschwerlichen Zeiten von Corona?
Jacob Barnes: Wir befanden uns in einer Phase der Pandemie, in der es einen Impfstoff gab, und alle sprachen ständig von der "neuen Normalität". Morgane und ich hatten das Gefühl, dass wir vor der Wahl standen: entweder zu größeren Organisationen oder Institutionen zu gehen und ihnen beim Übergang zur "neuen Normalität" zu helfen oder unsere eigene Organisation zu gründen, die den Bedürfnissen der Gemeinschaften, in denen wir tätig waren, am besten gerecht wurde. Von Anfang an war uns klar, dass unser Ziel darin bestand, eine Organisation zu gründen, die den Bedürfnissen der Künstler entspricht und sich mit ihnen auseinandersetzt, ihnen aber auch Möglichkeiten bietet, sich längerfristig zu entwickeln. Vor allem, wenn wir den Markt ansehen. Für die Künstler, mit denen wir längerfristig zusammenarbeiten wollen, nehmen wir alle möglichen Bausteine, um auf eine nachhaltigere Zukunft hinzuarbeiten, anstatt daran zu denken, wie viel Geld man heute, morgen oder nächste Woche aus jemandem herausholen kann.
Was sind denn diese Bedürfnisse, die Grove erfüllen will?
JB: Mit das Wichtigste ist, den von uns vertretenen Künstlern ein garantiertes Einkommen zu bieten, unabhängig von den Verkäufen. Als wir die Galerie gründeten, stellten wir fest, dass jüngere Künstler das Problem plagt, dass sie in einen Teufelskreis geraten, in dem sie Arbeiten machen, nicht genug verkaufen, um zu überleben, und dann in einer Kneipe oder als Künstlerassistent arbeiten. Das bedeutet, dass ihnen die Zeit für das Atelier genommen wird und sie nicht genug Werke schaffen und nicht verkaufen können. In Anbetracht dessen wollten wir ein paar Positionen finden, von denen wir wirklich begeistert waren, um ihnen zu helfen, ihre Praxis auf die nächste Stufe zu heben. Sobald dies geschehen war und wir eine annehmbare Anzahl von Arbeiten zusammengetragen hatten, konnten wir damit beginnen, sie zu platzieren und eine breitere Öffentlichkeit zu erreichen. So kam die Sache wirklich ins Rollen.
Es geht also um das Bedürfnis nach Sicherheit?
JB: Ein weiteres Beispiel ist die derzeitige Umwandlung unserer Räume in Wohn- und Arbeitsräume, Residencys sozusagen. Das ist in Berlin bereits geschehen, und in London ist es im Gange. Wir wollen die Räume als Möglichkeit für Künstler nutzen, um aus ihrem Umfeld herauszukommen. Wir wollen ihnen Mobilität bieten.
Auf Ihrer Website steht, dass Grove sowohl eine Galerie als auch eine "Forschungseinrichtung" ist. Sie haben auch die Zeitschrift "Curatorial Affairs" gegründet. Wie kommen all diese verschiedenen Bereiche zusammen?
JB: Vieles in dieser Branche ist reine Erfahrung. Anstatt uns um uns selbst zu drehen und alle zu belügen, wollten wir deutlich machen, dass wir zwar nicht alles wissen, aber dass wir uns bemühen, die beste Version von uns zu betreiben, die wir sein können. Wir haben begonnen, aktiv nach Alternativen zu den bereits bestehenden Modellen zu suchen und sie zu nutzen. Das garantierte Einkommen zum Beispiel hilft den Künstlern wirklich. Es gibt eine Million kleiner Dinge, auf die wir achten können, die mit dem Betrieb einer Galerie einhergehen. Wie wir zum Beispiel mit dem Abfall von Luftpolsterfolie umgehen oder wie wir unsere Eröffnungen durchführen.
Und die Zeitschrift?
JB: Ursprünglich sollte "Curatorial Affairs" als Journal für unsere Forschung dienen. Doch das hat sich geändert: Plötzlich haben wir einen internationalen Vertrieb und Waterstones hat uns gebeten, unsere nächste Ausgabe am 4. April herauszubringen. "Curatorial Affairs" hat sich ein wenig verlagert und ist jetzt mehr darauf ausgerichtet, unsere Gemeinschaft zu stärken, zusammen mit all den Künstlern, die zu unserem Programm gehören, für die wir aber keinen Platz haben. Nur weil wir einige Werke nicht bei uns ausstellen können, heißt das nicht, dass wir sie nicht lieben und die Arbeit großartig finden.
Stellen Sie Ihre Forschungsergebnisse auch anderen zur Verfügung?
JB: Wir haben dazu in "Curatorial Affairs" veröffentlicht, und das ist immer noch ein guter Ort dafür. Wir sind keine Galerie mit unendlichen Mitteln. Ein Teil davon, Forschung zugänglich zu machen und darüber zu sprechen, was wir tun, ist der Versuch, der breiteren Gemeinschaft zu sagen: Wenn wir es tun können, könnt ihr es auch. In gewisser Hinsicht wollen wir Druck auf andere ausüben, damit sie ein besseres System aufbauen. Denn das ist möglich, sogar auf finanziell nachhaltige Weise.
Morgane Wagner: Der Gedanke des Teilens spielt eine wichtige Rolle. Wir sind gern bereit zu teilen. Jacob und ich haben Fragen gestellt und die Erfahrung gemacht: Manche Leute waren sehr offen, andere nicht. Oft haben sie Angst, dass man sie plötzlich überholt, wenn man dieses Wissen hat. Was Unsinn ist, denn wir sind völlig unterschiedlich. Wir versuchen nur, uns gegenseitig zu helfen. Wir haben alle unsere kleinen Galerien. Wir sind hier, um uns gegenseitig zu helfen und gemeinsam zu wachsen. Denn wenn es dich nicht gibt, können wir nicht existieren. Es ist dieser kleine Ökokosmos.
Jetzt eröffnen Sie einen permanenten Standort in Berlin. Warum hier?
MW: Jacob und ich haben uns in Berlin kennengelernt. Wir haben beide hier studiert und uns eines Abends in der Omega Bar in Neukölln getroffen. Wir setzten uns nebeneinander und begannen zu reden. Unsere Ideen und die Art und Weise, wie wir die Dinge sehen, waren so ähnlich, und gleichzeitig hatten wir unterschiedliche Blickwinkel und Lebensweisen. Nach diesem Abend blühte unsere Freundschaft auf, und wir trafen uns hin und wieder. Irgendwann zog Jacob nach London, und wir brachten meine Erfahrungen als Galeristin (ich helfe immer noch Künstlern und arbeite mit ihnen zusammen) und Jacobs Erfahrungen als Leiter des "Soft Punk Magazine", eines erfolgreichen Kulturmagazins, sowie seine Erfahrungen in der Zusammenarbeit mit Galerien und der Organisation von Ausstellungen zusammen. Unsere Ideen und unsere Freundschaft wuchsen noch enger zusammen. Und dann rief mich Jacob Ende 2020 an und sagte: "Ich bin zu dem Schluss gekommen, dass wir nächsten Monat eine Galerie eröffnen werden; ich brauche jetzt eine Ja- oder Nein-Antwort."
JB: Ich weiß noch, dass ich im Bus saß.
MW: Ich ging die Straße in Battersea entlang, wo die Londoner Galerie liegt. Das ist auch die Gegend, in der ich aufgewachsen bin. Ich bin jemand, der immer Zeit zum Nachdenken braucht, also habe ich Jacob gesagt, dass ich nachdenken muss. Jacob hingegen - und das ist ein guter Balanceakt in unserer Beziehung - hat viele Ideen und setzt diese auch direkt um. Ich glaube, entweder am selben Tag oder am nächsten Morgen bekam ich einen weiteren Anruf von Jacob, der mich fragte: "Machen wir das jetzt oder nicht?" Ich habe gesagt: "Okay, wir machen es!" Und das war's. Berlin ist als europäischer Knotenpunkt ein so wichtiger Ort, weil wir hier gewohnt und uns hier kennengelernt haben und die Geschichte von Grove in gewisser Weise in Berlin begann. Ein Kreis, der sich nun mit der Eröffnung unseres zweiten Raums hier wieder schließt.
Wie ging die Geschichte dann weiter?
JB: Es begann mit dem Raum Backhaus Projects in Neukölln. Innerhalb der drei Monate, in denen Morgane und ich die Galerie in London eröffneten, erzählten uns gemeinsame Freunde aus Berlin, dass sie einen Projektraum, eine Art Gemeinschaftsraum in Berlin eröffnen wollten, aber a) eine Ko-Finanzierung benötigten und b) nicht genug Leute hatten, um das Programm zu füllen. Die Kosten durch vier statt durch zwei zu teilen war viel günstiger. Es war eine großartige Gelegenheit für uns, weil wir wussten, dass wir irgendwann expandieren wollten und auf diese Weise Leute kennenlernen konnten. Der Betrieb einer Galerie besteht zu 90 Prozent nicht aus der Kunst, sondern aus den Transporteuren, den Aufbauteams und all den Leuten dazwischen. Letztendlich war es auch jemand von Backhaus, der uns Hannah vorstellte, die Grove Berlin leiten wird. Technisch gesehen sind wir immer noch mit dem Projektraum verbunden, da wir ihn gegründet haben, aber jetzt läuft er eigenständig weiter. Wir mischen uns nicht mehr wirklich ein, weil wir jetzt den größeren Raum haben.
Hannah Weidner: Ich habe für die König Galerie gearbeitet, die im Vergleich zu dem, was wir jetzt sind, eine große Maschine war. Als ich König verließ, befand ich mich in einer Phase meines Lebens, in der ich mich entscheiden musste, was ich als Nächstes tun wollte: In die nächste große Galerie wechseln oder meine eigenen Sachen machen. Also gründete ich mit meinem Freund Tim ein Kuratorenkollektiv namens 2322. Wir organisierten eine Gruppenausstellung zusammen mit unserem gemeinsamen Freund Pedro als Offsite-Event während der Berlin Art Week im September. Zu dieser Zeit war eine Kollegin von mir, mit der ich früher bei König zusammengearbeitet hatte, bei Grove für die Logistik zuständig und erzählte mir von dieser Londoner Galerie. Jacob war zur Berlin Art Week in der Stadt, und sie schlug mir vor, mich mit ihm zu treffen, weil sie wusste, dass sie etwas in Berlin machen wollten. Ich ging zu einer Vernissage im Backhaus. Zu dieser Zeit war es nur noch eine Woche bis zur Eröffnung der Ausstellung meines Kollektivs, und ich lud ihn ein. Jacob kam, aber wir sprachen an diesem Abend kaum miteinander. Am nächsten Tag rief er mich an und fragte mich, ob ich Zeit für ein Gespräch hätte, und wir trafen uns auf einen Kaffee. Im Grunde war das der Anfang von allem. Rückblickend ist es absurd, weil alles so schnell ging.
Die Eröffnung des neuen Standorts ging auch recht schnell, oder?
HW: Der ursprüngliche Zeitplan sah anders aus. Aber dann im Dezember fand ich bereits den Ort in der Greifswalder Straße, an dem wir nun eröffnen. Es war ein Bürogebäude, fast die letzte Etage. Es hatte diese hässlichen Decken, aber ich ging hinein und es war riesig. Manchmal muss man auf sein Bauchgefühl vertrauen. Ich dachte: "Ah, das könnte ein Studio sein, das könnte ein Büro sein". Dann war da noch dieser große Raum, der anfangs furchtbar aussah, aber allmählich fügte sich alles zusammen. Ich hatte fast ein schlechtes Gewissen, weil mir bewusst war, dass wir gerade erst angefangen hatten, zusammenzuarbeiten, und alles sehr schnell ging. Aber ich wusste auch, dass wir die Chance nicht ziehen lassen konnten. Trotzdem ist es eine große Entscheidung, vor allem, wenn das Programm noch nicht steht. In den letzten Wochen haben wir versucht, den Raum zu renovieren und ihn so schnell wie möglich fertig zu stellen, während wir gleichzeitig versucht haben, die Shows für das Jahresprogramm zu planen. Ich denke, wir wissen alle, dass das nicht einfach ist. Vor allem, wenn man bedenkt, dass viele Künstler ihre Termine mindestens ein oder zwei Jahre im Voraus planen.
Was will Grove zur Galerienszene in Berlin beitragen?
HW: Es ist nicht so, dass wir hier eine Galerie eröffnen, weil wir denken, dass es nicht schon genug davon gibt. Was den Unterschied ausmacht, ist die Art und Weise, wie wir abseits der traditionellen Konzepte arbeiten. Ich bin auf der Suche nach Spannung, auch wenn das manchmal bedeutet, kuratorische Risiken einzugehen. Ich möchte Ausstellungen machen, bei denen man reinkommt und einfach begeistert ist. Außerdem habe ich durch das Residency-Programm die großartige Möglichkeit, die Ausstellungen in sehr enger Zusammenarbeit mit den Künstlern vorzubereiten. Hoffentlich können wir eine wirklich generative Konstellation zwischen den Künstlergemeinschaften hier und in London schaffen.
JB: In mancher Hinsicht besteht ein großer Teil der Kunstwelt nur aus Kontext. Wie viele Künstler kann man auf einmal in seinem Gehirn unterbringen? Aus unserer Perspektive - wenn man bedenkt, was die Galerie nach Berlin bringen will - ist es die Erweiterung der Gemeinschaft. Einige der kommenden Ausstellungen spiegeln das insofern wider, als dass wir Künstlerinnen und Künstler aus New York, London und Berlin versammeln. Wie Hannah bereits erwähnte, gibt es in Berlin internationale Galerien. Es wäre dumm, wenn wir sagen würden, dass niemand sonst eine internationale Ausstellung gemacht hat, aber wir versuchen, Verbindungen herzustellen, wo es sonst, denke ich, als kleinere Galerie ein bisschen schwieriger ist.
Die Eröffnungsausstellung heißt "Ashes to Lashes, Dust to Lust". Was dürfen wir erwarten?
HW: Bei der Eröffnung von "Crush", einer Gruppenausstellung, die ich im Dezember im Backhaus kuratiert habe, stand ich mit Billie Clarken und Nils Koepfer draußen. Ich erzählte ihnen gerade, dass wir den Raum bekommen haben und dass wir eine Einweihungsparty schmeißen sollten. Da kam mir der Gedanke, dass wir tatsächlich eine Einweihungsparty schmeißen sollten, im Sinne von "den Laden in Brand setzen". Billie bot sofort eine Arbeit an, und ich fing an zu grübeln. In diesem Moment wurde mir klar, dass die Einweihungsfeier der Ausgangspunkt für das kuratorische Konzept sein sollte - beginnend mit dem Scherz, dass eine Galerie eine Einweihungsfeier veranstaltet, aber dann tatsächlich wörtlich genommen und mit all diesen Themen und Fragestellungen, die sich aus dem Wort ergeben.
Welche sind das?
HW: Marlon De Azambuja wird in einer Installation mit dem Medium Feuer arbeiten. Außerdem zeigen wir eine wunderschöne Skulptur von Jason Gringler, die ebenfalls Feuer beinhaltet. Dann gibt es noch den lustigen Aspekt einer Housewarming-Party. Die Ausstellung deckt auch die eher sexuelle Seite des Brennens und der Begierde mit Werken von Brittany Shepherd ab. So viele Ideen sind aus dem kleinen Scherz entstanden, den wir an jenem Abend im Dezember gemacht haben. Es hat sich irgendwie von selbst ergeben. Die Eröffnungsausstellung zeigt eine Mischung aus ziemlich dramatischen und brutalen Werken, die ich absolut liebe. Ich denke, das wird in der gesamten Ausstellung zu sehen sein, mit einem Hauch von Humor und einer gewissen Feierlichkeit.
Können Sie schon etwas über das weitere Programm verraten?
JB: Was wir sagen können: Die nächste Ausstellung wird eine Trioshow sein, die im Anschluss an eine Residency mit Colm Mac Athlaoich, Hannah Bohnen und Mariona Berenguer stattfinden wird, worauf wir uns sehr freuen.
HW: Es ist schön zu sehen, wie sich alles zusammenfügt.