Tayla Camp, Sie bezeichnen Ihren Camp Space als Pop-up-Galerie, was auf ein anderes Modell im Vergleich zu traditionelleren Räumen auf dem Kunstmarkt hindeutet. Wenn man heute eine Galerie gründet, stellt sich immer die Frage, ob man den etablierten Institutionen folgen oder etwas ganz anderes machen will - und vielleicht Teil einer Veränderung sein möchte ...
Ich wusste von Anfang an, dass ich eine Pop-up-Galerie haben wollte. Ich betrachte dieses Projekt als eine Lern- und Wachstumserfahrung und wollte daher die Möglichkeit erhalten, jede Ausstellung als eigenständige Schau zu kuratieren. Ich wollte auch die Flexibilität und Vergänglichkeit eines Raums nutzen, sodass ich dort arbeiten kann, wie auch immer er aussieht und sich anfühlt, und dann zu etwas anderem übergehen könnte, zum Beispiel in einen anderen Teil der Stadt. In Zukunft wäre ich offen für einen festen Raum, je nachdem, ob ich den richtigen finde. Für diese erste Ausstellung habe ich mir viele Räume angeschaut, und die ersten paar fühlten sich einfach nicht richtig an - zu klein oder klaustrophobisch, oder es war einfach die falsche Gegend, um Publikum anzuziehen.
Der Standort einer Galerie innerhalb einer Stadt ist interessant, wenn man die Galerienlandschaft im Allgemeinen betrachtet. In Berlin gibt es eindeutig ein paar Viertel oder sogar Straßen, in denen es eine Ansammlung von Galerien oder ein bereits bestehendes Netzwerk gibt, sodass man automatisch gesehen wird, wenn man dort einen Raum eröffnet. Ist das der Grund, warum Sie sich für Mitte entschieden haben, und haben Sie das Gefühl, dass die Gegend auch Ihr Galerieprogramm widerspiegelt?
Ich war die letzten drei Tage fast den ganze Zeit hier, nur mit Blick auf das Fenster. Ich sehe so viele Leute vorbeigehen, die nicht nur einen Blick riskieren, sondern wirklich stehen bleiben, um zu schauen, was passiert. Ich glaube, die Leute wissen, dass diese Gegend besonders für ihre Kunstgalerien bekannt ist. Die Neugierde auf Kunst ist also vorhanden. Ich habe auch kein festes Programm. Es gibt ständig etwas Neues.
Ihr Programm hat aber einen besonderen Schwerpunkt auf die Demokratisierung des Kunstsammelns. Wie gehen Sie auf die Art von Sammlern ein, die daran interessiert sind: zum Beispiel jüngere und unerfahrenere Käuferinnen und Käufer?
Das Wichtigste war, dass ich nicht wollte, dass jemand durch die Tür tritt und sich übervorteilt fühlt, denn dieses Gefühl habe ich schon oft erlebt. Und das soll nicht heißen, dass es nicht eine gewisse Schwelle für die Preisgestaltung von Kunst geben sollte. Aber ich kenne das Gefühl, wenn man eine Galerie betritt und einfach weiß, dass man sich dort nichts leisten kann. Aber man möchte sich am Sammeln beteiligen und die Künstlerinnen und Künstler unterstützen. Deshalb war es mir wichtig, von vier Gemälden, die an und für sich schon Kunstwerke sind, hochwertige Giclee-Abzüge für 120 bis 150 Euro anzubieten. Und da wir jedes Gemälde professionell scannen lassen, können auf Wunsch von jedem der Werke Abzüge angefertigt werden. Selbst, wenn Sie kein Originalwerk kaufen können, können Sie etwas aus der Ausstellung mitnehmen. Das ist nur der erste Schritt, um sicherzustellen, dass jeder an der Ausstellung teilhaben kann. Ich achte auch darauf, dass die Preise der Originalwerke eine gewisse Bandbreite aufweisen. Auf der unteren Skala haben wir Werke ab 1200 Euro, und es geht bis zu 4500 Euro.
Glauben Sie, dass Ihr Programm ein anderes Publikum anzieht als das von Galerien, die nicht speziell Kunst zu besonders niedrigen Preisen anbieten?
Ich habe die Preisliste nicht veröffentlicht. Ich bin mir also nicht sicher, ob jeder, der die Ausstellung besucht, mit dieser Absicht kommt. Ich hoffe, dass die Leute, die durch die Tür treten, einfach meinen Geschmack, meinen Instinkt und meine Intuition sowie die Art des Geschichtenerzählens schätzen, die ich mag und die sich in dieser Ausstellung widerspiegelt. Ich möchte, dass sie an der Reise teilnehmen können. Zweitens, wenn ihnen einige der Werke gefallen und sie nach einer Preisliste fragen, werden sie nicht sofort ausgeschlossen.
Das Thema der Demokratisierung des Kunstmarktes und des Kunstsammelns ist in letzter Zeit viel diskutiert worden, insbesondere im Zusammenhang mit Kryptokunst und NFTs. Ich denke jedoch, dass die Fragen in ihrem Kern neu überdacht werden sollten. Ist es überhaupt notwendig, den Kunstmarkt zu demokratisieren? Denn letztlich ist die Möglichkeit, sich Kunst zu leisten, eine Form von Luxus und der Kauf eines Luxusprodukts. Eine vergleichbare Frage wäre, ob jeder in der Lage sein sollte, eine Birkin Bag zu kaufen?
Ich weiß nicht, ob ich das so charakterisieren würde. Letztlich sollte man seine Arbeit so verkaufen können, wie man sie für wertvoll hält. Es sollte kein Gesetz geben, das besagt, dass jeder Künstler seine Werke zu einem bestimmten Preis anbieten muss, damit jeder sie kaufen kann. Ich halte es für wichtig, dass jeder die Möglichkeit hat, an einem Kunstwerk und einem originellen Prozess teilzuhaben zu können. Und dass er nicht das Gefühlt hat, zu Ikea gehen zu müssen, um einen Massendruck zu kaufen.
Dies führt auch zu der Frage, wie man sich als junge Galeristin einen Sammlerstamm aufbauen kann. Vor allem, wenn man vor der Eröffnung eines eigenen Raums noch nicht in einer Galerie gearbeitet hat und keinen bestehenden Sammlerstamm mitbringt: Dann scheinen Messen immer noch die wichtigste Möglichkeit zu sein, diesen aufzubauen.
Ich glaube nicht, dass Messen im Moment an erster Stelle meiner Prioritäten stehen. Ich habe noch nicht einmal darüber nachgedacht, wann ich mich dort beteiligen würde. Im Moment verlasse ich mich ausschließlich auf Mund-zu-Mund-Propaganda, auf Kontakte, die ich hier geknüpft habe, auf Freundschafts- oder Arbeitsbasis. Außerdem versuche ich, mir die Macht der sozialen Medien zunutze zu machen. Wenn man ein so großes Netzwerk von Menschen erreichen kann, indem man einfach ansprechende und hoffentlich irgendwann virale Inhalte erstellt, dann ist das etwas, das man nutzen möchte. Beide Künstlerinnen in der Ausstellung, Skai und Roxanne Krumm, haben Erfahrung mit dem Direktverkauf auf Instagram, und auch ich habe schon Originalwerke über Instagram gekauft. Es ist ein mächtiges Werkzeug, um sich ein Netzwerk aufzubauen. Die Teilnahme an Messen ist etwas, das ich in der Zukunft sehe, aber noch nicht sofort.
Das Messemodell zu umgehen, ist sicherlich auch eine nachhaltigere Entscheidung. Wenn Sie Kunst hauptsächlich online oder über Ausstellungen verkaufen, die Sie in der Stadt, in der Sie ansässig sind, organisieren, sind Sie viel nachhaltiger als Galerien, die ihre Kunst jeden Monat zu einer anderen Messe irgendwo auf dem Globus fliegen.
Über den Nachhaltigkeitsaspekt der Teilnahme an Kunstmessen habe ich bisher noch nicht wirklich nachgedacht. Momentan versuche ich einfach, die mir zur Verfügung stehenden Ressourcen zu nutzen.
Was ist Ihnen im Hinblick auf Ihr Galerieprogramm besonders wichtig?
Ich bin daran interessiert, Werke zu zeigen, zu denen ich eine Verbindung habe. Ein besonderes Interesse habe ich an der Kunst von People of Color, weil ich selbst eine Person of Color bin. Ich habe einen Hintergrund in Geschichte und Kunstgeschichte, daher liebe ich Werke, die ein Narrativ enthalten, mit dem ich in irgendeiner Weise verbunden bin. Das ist bei Werken von People of Color oft der Fall. Außerdem interessiere ich mich besonders für Werke von Künstlerinnen, weil es für mich als Frau oft Geschichten gibt, mit denen ich mich identifizieren kann. Viele Ausstellungen, die sich um Männer drehen, insbesondere um weiße Männer, finden bei mir nicht so einen großen Widerhall. Das bedeutet nicht, dass irgendjemand von einer Ausstellung ausgeschlossen ist, die ich in Zukunft mache. Ich weiß nicht, was die Zukunft bringt. Ich weiß, was mich interessiert, und darauf habe ich dieses Programm aufgebaut.
In der Regel ist es so, dass man in einen gewissen Diskurs verwickelt ist, oft mit Freunden, bevor man sich entscheidet, diesen Diskurs zu professionalisieren und eine Galerie zu eröffnen.
Das Thema und die Entwicklung der Ausstellung entstanden aus dem Dialog, den ich mit den beiden Künstlerinnen geführt habe. Ich befand mich in einer Art emotionaler Krise und unterhielt mich mit ihnen, weil sie mit ähnlichen Problemen zu kämpfen hatten wie ich. Wir diskutierten darüber, wie wir alle unsere inneren Herausforderungen meistern. Das war die Idee für die Ausstellung. Ich habe sie gefragt, wie sie mit Negativität umgehen, die sowohl von inneren als auch von äußeren Kräften ausgeht. Wie gehen Sie mit aufdringlichen Gedanken um? Wie gehen Sie mit Gefühlen der Unzulänglichkeit um? Wie gehen Sie damit um, dass Sie sich beruflich, geistig und emotional eingeengt fühlen? Wie kommt man da durch? Sie nahmen dieses Thema und produzierten die gesamte Arbeit für die Schau. Beide reagierten auf dramatisch unterschiedliche Weise.